BLOG SOBRE EL VIOLÍN, MÚSICA Y ENSEÑANZA DE ESTE MARAVILLOSO INSTRUMENTO
APRENDE A APRENDER
Deberias saber, que el secreto formidable para avanzar y llegar a dominar la técnica violinistica, está en saber aprender, escrutar los secretos mas pequeños, que se esconden donde menos lo esperas, en como enfocas el estudio, en tus aspiraciones, en el tiempo que le dedicas y el deseo de saber que tengas, en la calidad y claridad de lo que te pides cuando te pones a estudiar, en como concibes el Lenguaje Musical y en si caes o no el las trampas que te ponen... la monotonía, el hastío, la inercia y en definitiva la falta de amor por saber.
No existe éxito sin esfuerzo, y si alguna vez se produce, tú no estarás preparado para afrontarlo.
Tocar el Violín es un arte y necesita ineludíblemente, que un artista sea quién lo toque, como en el caso del principe valiente al sacar la espada de la piedra, ni siquiera hace falta que el alumno sepa ya que lo es, basta con que su corazón lo sepa, al contacto con el trabajo, con el día a día en el estudio, se irá forjando el artista que vive en tí.
Este concierto en La m de Vivaldi, brillante y luminoso, es interpretado por estas dos jóvenes violinistas, con brío y confianza, una vez más, vemos como el trabajo final es el resultado de meses de trabajo encaminado en la dirección adecuada, cada día de estudio debe ser un paso hacia el fin deseado, estudiar por leer partituras nunca es lo correcto, cada frase debe ser analizada, elegido cada fragmento con aspiración de lucimiento, de mostrar a quién nos vaya a oir, la capacidad artística que tenemos, nuestra manera de sentir la obra, nuestros conceptos sobre cada frase, cada pasaje, que nuestra linea melódica conmueva, nuestro vibrato haga respirar al espectador aspirando nuestros sonidos, que cada minuto de estudios nos haga sentir que construimos belleza,
El Violinista es un cantante de manos, nuestras cuerdas vocales son nuestros dedos y nuestro pulmón el arco.
Disfrutad de esta interpretación y que os sirva de aliento para el trabajo diario.
Este joven solista nos muestra la fuerza de este concierto del Genio J. S. Bach, un concierto maravilloso y emblema del repertorio violinístico, esta obra se puede decir que es un antes y un después de la carrera de un violinista, es una culminación y un punto nuevo de partida para grandes cosas, se requiere ya una gran madurez para interpretarlo y un gran despliegue técnico y nos permite sacar lo mejor de nosotros mismos, también nos ensambla con la Orquesta, permitiendo animarla con el impetu de nuestra melodía y a ellos participar dándonos aliento con sus inísonos e imitaciones, siempre es así con un buen concierto, pero con este sucede de manera muy especial.
Disfrutad y ganar estímulos viendo a un jovencísimo intérprete, que os enseña que estudiando, se puede.
Estupenda versión, muy expresiva a pesar de la velocidad, si os fijais, el tempo y la velocidad con la que ejecuta cada pasaje, no le impide expresar perfectamente cada nota, cada final tiene su vibrato, cada acento tiene su personalidad, esto no se consigue el día del concierto gracias a las ganas de quedar bien ese día, se consigue paso a paso, analizando 1º y sintiendo muchísimo la atracción entre cada dos notas o entre cada tres en los grupos de tres, cada nota tiene su función, o de "necesidad" o de "culminación o llegada", y sobre esta emoción, añadimos el valor temporal de la figura, ritmo y melodía se dan la mano, pero no son lo mismo y recordad, que la expresión requiere de nosotros todo nuestro amor, todo nuestro deseo de decir algo precioso, único y que el ritmo nos pide, exactitud y personalidad, contar es solo una capacidad, expresar con el ritmo es mucho más.
Este tercer movimiento del Concierto de M. Bruch, es brillante y luminoso y con esta maravilla de violinista, podemos comprobar perfectamente, la finalidad o el objetivo que han de tener las múltiples horas de estudio, adquirir una enorme seguridad de ejecución, respaldada por una convicción interior tremenda, de que lo queremos tocar brillante, eléctrico y que con cada frase desplegaremos toda nuestra creatividad, caminaremos por el mástil como un flamenco taconéa por el escenario, como un atleta del violín, como hacen los gimnastas de suelo, que recorren unos metros para coger impulso y poder realizar las piruetas en el aire con giros imposibles, pero que sin esa convicción y ese deseo, no desarrollarían tanta habilidad.
Sarah Chang lo consigue, disfrutad de las dos cosas, del sonido espléndido, pero también del pespliegue de convicción y energía que nos regala.
EQUIPOS DE TRABAJO: Si alguna vez habeis formado parte de algún Equipo de Trabajo, seguro que este video os suena, tiene mucho de análisis real de las personalidades que suelen formar parte de los Equipos de Trabajo, una buena reflexión al respecto siempre es útil, ahora se nos pide de manera muy clara, evaluar las Competencias Básicas, y este, el trabajo en equipo, forma parte de una buena competencia en relaciones sociales y aportar lo mejor de uno mismo al grupo, siempre esperamos que se nos reconozca el trabajo, pero...¿cuantas veces se lo reconocemos a otros?, se nos pide ser críticos, pero ¿cuantas veces nos analizamos y asumimos errores?, ¿cuantas veces aportamos ideas en vez de criticar las de otros?.
Hay que darse cuenta, que cualquiera puede hacer bien su trabajo, pero jamás podrá hacer el nuestro, ese, EL NUESTRO, solo nosotros lo haríamos como Nosotros solo podemos hacerlo, el otro tiene su arte, nosotros el nuestro, no dejemos a nuestros compañeros sin poder ver de lo que artisticamente hablando somos capaces, aportemos, ayudemos, trabajemos cuando nos lo pidan....eso es facil, ¿creeis que aquí pondría algo así como que:...pero lo dificil es.... PUES NO!!!, es AUN MÁS FÁCIL TRABAJAR SIN QUE NOS LO PIDAN.
Siempre es bueno observar la Naturaleza para sacar ideas que poder aplicar a nuestra vida cotidiana, el trabajo en equipo es un buen ejemplo, ¿quien no ha visto ducumentales sobre como cazan las leonas?, ¿o cómo se turnan los pajaros para empollar los huevos?, ¿o el impresionante trabajo coordinado de las abejas?, aquí teneis un video sobre los ánades, como contribuyen turnándose a la cabeza del equipo, para minimizar el esfuerzo y como se ayudan entre ellos, solos no lo lograrían, en equipo llegan lejos, muy lejos.
Un típico ejemplo de como muchas veces los estúpidos, (que no se tragan), se unen cuando aparece alguien a quién consideran inferior, más torpe, más estupido, o MÁS INTELIGENTE, en este caso, el que es mejor suele ser espejo para ellos de su estupidez y suelen hacer como en el video, consiguen estár unidos para burlarse, para esconder su falta de autoestima, de valores morales, de ilusión por aprender, de falta de solidaridad y en definitiva, de AMOR AL PRÓJIMO, esto del AMOR .....TAN MAL COMPRENDIDO, pero moraleja, quién ríe el ultimo.....
Un Genio, como siempre, Nigel Kennedy te sorprende con su personalísima forma de interpretar, solo él puede tocar así, te va metiendo en la obra y consigue llevarte a su ritmo, nunca mejor dicho, disfrutad y ver como se comporta alguien en un escenario, cuando saca a pasear a su Artista Interior.
La historia del erhu puede trazarse hasta los instrumentos introducidos a China hace más de mil años y se cree que evolucionó del xiqin (奚琴), descrito como un laúd de dos cuerdas extranjero en el Yue Shu (樂書, yuèshū, literalmente: libro de música), obra enciclopédica sobre música escrita por el teorista musicalChen Yang en la dinastía Song. Se cree que el xiqin procede de los Xí (習) en Asia central y que llegó a China en el siglo X.
Erhu con liu jiao qin tong (cuerpo de seis lados).
El primer carácter del nombre del instrumento (二, èr, dos) se cree que proviene del hecho que tiene dos cuerdas o del hecho que es el seguno huqin más alto en altura después del gaohu en la orquesta china. El segundo carácter (胡, hú) indica que es miembro de la familia huquin, nombre que literalmente significa «instrumento bárbaro» y que el instrumento probablemente tiene su origen en las regiones norte u occidentales de China, habitadas por población no perteneciente a la etnia han.
Erhu históricos e instrumentos de arco y cuerda
Las cítaras Chinas, incluyendo el xiqin, yazheng y el yaqin, así como el ajaeng coreano, se tocaban originalmente con una vara con colofonia, la cual creaba la fricción necesaria con la cuerda. Tan pronto como se inventó el arco de pelo de caballo, se extendió rápidamente su uso. Los pobladores de Asia central se encontraban a lo largo de la ruta de la seda por la cual bienes e innovaciones se extendieron rápidamente por toda Eurasia.
Construcción
El qian jin, nudo localizado en el cuello del instrumento.
El erhu consiste de un cuello formado por vara larga vertical en cuyo extremo se localizan dos clavijas para afinar y en la parte inferior una pequeña caja de resonancia cubierta con piel de pitón en el lado frontal. Se fijan dos cuerdas desde las clavijas hasta la base y un pequeño nudo de cuerda (qian jin) se coloca alrededor del cuello y las cuerdas funcionando como nudo que jala las cuerdas hacia la piel, manteniendo un pequeño puente de madera en su lugar.
En su realización se usan maderas pesadas, de acuerdo a referencias chinas estas materias pueden incluir zi tan (紫檀 sándalo y otras maderas del género Pterocarpus como el padauk), lao hong mu (老红木 madera roja añejada), wu mu (乌木 madera negra), and hong mu (红木 madera roja). Erhus particularmente finos son realizados de piezas de muebles viejos. Un ehru típico mide alrededor de 81 cm a lo largo, siendo también esa la medida del arco.
Erhu with ba jiao qin tong (8 sided body).
Los nombres de las partes del ehru son:
Qín tong (琴筒), caja de resonancia, puede ser hexagonal (liu jiao, southern), octagonal (ba jiao, northern), o infrecuentemente, redonda.
Qín pí/She pí (琴皮/蛇皮), piel, hecha de pitón, la cual le da al ehru su sonido característico.
Qín tou (琴头), cabeza del cuello, usualmente una curva simple con una pieza de huezo o plástico en el extremo, pero ocasionalmente tallado con una cabeza de dragón chino.
Qín zhou (琴轴), clavijas de afinación, usualmente de madera aunque pueden ser mecánicas.
Qiān jin (千斤), nudo, hecho de cuerda.
Nèi xián (内弦), cuerda interior, usualmente afinada en Re4, la más cercana al intérprete.
Wai xián (外弦), cuerda exterior, usualmente afinada en La4.
Qín ma (琴码), puente, hecho de madera.
Gong (弓), arco, con tornillo para variar la presión.
Gong gan (弓杆), vara del arco, usualmente de bambú.
Gong máo (弓毛), cuerdas del arco, usualmente de caballo.
Qín diàn (琴垫), almohadilla, pieza de esponja, fieltro o tela colocada entre las cuerdas y la piel, bajo el puente, para mejorar el sonido.
Qín tuō (琴托), base, pieza de metal fija a la parte inferior del qín tong para proporcionar una superficie suave para descansar el ehru sobre la pierna.
La mayoría de los ehrus se elaboran en masa en fábricas. Los tres principales centros de elaboración de ehrus son Pekín, Shanghái, y Suzhou. En el período colectivista que prosiguió al establecimiento de la República Popular China, estas fábricas se formaron fusionando lo que antes eran talleres privados. Aunque muchos ehrus se realizaban en líneas de producción, los de mayor calidad se elaboraban manualmente por artesanos especialistas.[1]
El ehru tiene ciertas características inusuales. La primera es que su sonido característico se produce por la vibración de piel de pitón. Segundo, no hay diapasón pues el intérprete presiona las cuerdas sin que éstas toquen el cuello. Tercero, el arco está sujeto al instrumento: las cuerdas del arco pasan entre las dos cuerdas del instrumento (a diferencia de los instrumentos occidentales donde el arco se coloca sobre las cuerdas). Por último, aunque hay dos cuerdas, éstas se encuentran muy cercanas y la mano las intepreta como si fueran una cuerda.
La cuerda interior (cercana al intérprete) se afina en Re mientras que la cuerda exterior se afina una quinta arriba, en La. La tesitura del instrumento alcanza tres octavas y media aunque el rango usual de intepretación es de dos octavas y media.
Durante el siglo XX se hicieron intentos de estandarizar y mejorar el erhu con el objetivo de producir un instrumento de sonido mejor y más potente. Uno de los cambios principales fue el uso de cuerdas de acero en vez de seda y para 1958 los intérpretes profesionales ya usaban ambas cuerdas de acero de forma común.[2]
Uso de piel de pitón
En 1988, China aprobó su ley de protección a especies en peligro de extinción, ratificando la convención CITES de la ONU, haciendo ilegal el uso y comercio sin permiso de pitones.[3] Para regular el uso de la piel de pitón, se introdujo un esquema de certificación para vendedores en el sureste de Asia y fabricadores de instrumentos en China. Desde el 1 de enero de 2005, las nuevas leyes requieren que los ehrus tengan un certificado indicando que no fue construido usando piel de pitones salvajes sino de pitones criados en granjas. Los viajeros pueden sacar hasta dos ehrus del país pero para propósitos comerciales se necesitan certificados de exportación.
REFERENCIAS:
↑ Stock, Jonathan. "A Historical Account of the Chinese Two-Stringed Fiddle Erhu." Galpin Society Journal, v. 46 (Marzo 1993), p 85
↑ Stock, Jonathan. "A Historical Account of the Chinese Two-Stringed Fiddle Erhu." Galpin Society Journal, v. 46 (March 1993), p 103
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Unos videos muy completos e interesantes, sobre famílias de instrumentos, en este caso, de Cuerda, algunos frotada y otros pulsado, pero seguro que muchos os sorprenderán, tanto por sus formas como por sus sonidos, todos ellos con un gráfico que define a cada instrumento, su imagen y lo que es mejor, su sonido, espero que os guste y añadáis a vuestros conocimientos musicales, la experiencia de poder conocer en tan poco tiempo, tantos instrumentos, os recomiendo que visualiceis los cuatro que he puesto.
Este Capricho lo estudiáis casi todos los que haceis 6º de E. P. , un Capricho de Paganini bellísimo, de dificultad media y que requiere de vosotros un buen proceso de estudio, cada frase os pide algo especial, ya sean cámbios de cuerdas extremas, dificultades de cámbios de posición, gran habilidad y sobre todo un gran sentido musical, ya que la expresión en este caso y aunque no lo parezca, soluciona gran parte de los aparentes problemas que se crean, si solo creemos que es cuestión de medir y poner el "turbo"...., sin la expresión no hay soluciones, ni en este caso ni en ninguno, pero aquí... es exagerado lo que la necesitaréis.
Forma parte de los 24 Caprichos para violín solo, mucho se especuló con la figura del maestro Paganini, por su enorme habilidad y talento, por su genialidad, sus composiciones son aun hoy en día, la cumbre de la técnica violinística., sus endiabladas frases en las posiciones más dificilies, sus golpes de arco, dobles cuerdas imposibles, su velocidad, su claridad expresiva, hacen que quién se plantee tocar alguna obra suya, ya sepa de antemano lo que le espera, trabajo, reflexión, y grandes dosis de paciencia y tenacidad, cuando las estudias, te enseñan a conocer tus límites y a desear superarlos.
Aunque esté en alemán, merece la pena ver a la jovencísima Anne Sophie, tocando con ese amor a la expresión, esa concentración en pedirse lo mejor de sus sentimientos, empatizando con cada elemento de los que intervienen en la ejecución musical, dedos, manos, arco, vibrato, sentido del Lenguaje de cada frase, como si hablase cada célula musical, aquí podeis ver, que la música puede medirse, pero no es la medida, tiene pulso, pero no va dando golpes, se vibra en el violín, pero no es mecánico, se siente pero no es histérica.
Una maravilla para disfrutar, breve, sí, pero una estrella fugaz tambien lo es y a veces nos pasamos tiempo mirando al cielo, para poder decir que vimos una.
Ser buen profesor implica antes que nada, AMOR A COMPARTIR CONOCIMIENTOS, y recordar siempre que antes que maestros, fuímos alumnos, que antes de saber éramos ignorantes, que aún somos ignorantes de tanto como aún no sabemos, que quién tenemos delante, el alumno, tiene que recibir de nosotros el mayor de los respetos, aunque él no lo sepa, su futuro nos ocupa, nos alienta, él da por supuesto nuestra sabiduría, no les defraudemos, SABIDURÍA, qué palabra!, no es saber mucho de música, es SER SABIO, no es saber muchos datos, es SABER COMPARTIRLOS, no es creerse más, es SABER DAR MÁS.
El arte de la PACIENCIA, consiste en saber, que con la necesaria TENACIDAD, el CONVENCIMIENTO DEL ÉXITO y los zapatos del PASO A PASO, nos ganamos el respeto de nuestros alumnos, y el premio es su recuerdo futuro, de alguien que SIEMPRE, estuvo en su interés, NUNCA guardamos nada para nosotros, cuanto supimos lo dimos, e hicimos de cada clase algo único, especial, nuevo, y conseguimos que el alumno cada día, encuentre en nuestra clase, una hora de descubrimientos agradables, de sorpresas por sus logros, de conocer sus tremendas posibilidades y entre tanta exigencia reinante por todas partes, él se exige disfrutar más con lo que más le gusta, su tiempo de experiencias musicales.
Hola a todos, os comunico, que los días 4 y 11 de Febrero, impartiré un curso sobre RELACIONES TÉCNICAS ENTRE MÚSICA Y PINTURA, dirigido a profesores de música, tanto de Conservatorios cómo de Institutos, se llevará a cabo, en las dependencias del C P R del Nalón, los interesados pueden inscribirse en la Web del CPR del Nalón, donde pueden encontrar un formulario de inscripción, las plazas son limitadas y me consta que aun hay ALGUNAS plazas por cubrir. El plazo de inscripción finaliza el próximo día 28 de Enero. On animo a realizarlo, no son necesarios conocimientos previos de pintura y será totalmente práctico. Gracias por vuestra atención. Saludos. El Profesor: Diego Fernández
Un estupendo video sobre el sonido y la audición, alguna clave tenemos aquí para saber estudiar mejor, a ver si lo pillais, ya sabeis encontrar "Gazapos" en cada cuestión que interviene en el proceso del estudio y en los videos "Trampas de la Atención", teneis algunos ejemplos, de todos modos, en clase ya me preguntareis, mientras tanto, os dejo ejercitar la Competencia Básica..... buscar uno mismo soluciones e indagar respuestas.
Un buen ejemplo de precocidad y genialidad, si os fijais en los niños prodígio que luego han sido maestros, siempre hay una característica común, que aparte de dar todas las notas y a velocidades endiabladas, lo que les caracterza mejor es. su deseo EXPRESIVO, expresan con el alma, no es nunca una expresión solo técnica, van más alla, es una expresión PERSONAL, estoy convencido, que incluso esa expresión, no es exactamente la que les marcaron sus maestros, ellos SACARON A PASEAR A SU ARTISTA INTERIOR, observad y en clase me comentais.
El arco musical es un instrumento musical conformado por una cuerda tensada entre los extremos de un arco, generalmente de madera.
El arco tradicional se usa como instrumento musical y como arma. Se desconoce si éste fue su primer uso. Las pinturas rupestres en el sur de Francia, datadas alrededor de 15000 a. C., muestran un ritual donde un arco ya fue utilizado como instrumento musical.
Uso
Comúnmente se considera un instrumento solista aunque a veces se utiliza formando parte de un conjunto de música apala.
El modo habitual de producir el sonido del arco es frotando la cuerda (instrumento de cuerda frotada), aunque también puede hacerse sonar pulsando la cuerda (instrumento de cuerda pulsada). A diferencia de los instrumentos de cuerda usados en la música sinfónica, no posee una caja de resonancia, aunque puede tener resonadores externos. El tipo más habitual de resonador consiste en una calabaza que está atada a la espalda del portador. El arco también puede resonar en un hoyo o incluso puede utilizarse la boca. Este último método permite conseguir una melodía mucho más rica, al variar el tamaño del resonador.
Tipos y extensión
Los arcos musicales todavía se utilizan en numerosas culturas, en distintas zonas del mundo. El berimbau, un arco musical de Brasil y Angola, gana adeptos paulatinamente como consecuencia de su asociación con la capoeira. En Estados Unidos, el arco musical al parecer fue importado por los esclavos africanos. También podemos encontrarlo entre los indios apalaches, donde le llaman el arco de boca o mouthbow.
El Gran Maestro Itzhak Perlman , tocando el Allegro de Fiocco, rapidísimo, para mí... demasiado e incluso un Gran Maestro como él, puede pasarlo no tan bien, si se toma como si nada, la ejecución de una obra....fácil?, ninguna obra lo es, si no la preparamos bien, disfrutad con este Grandísimo Maestro en una versión rapidísima de esta obra.
Una zanfona (también llamada cinfonía, zanfonía y viola de rueda, en Galicia y en León: zanfoña o zampoña, en Zamora: gaita zamorana y gaita de pobre, en Palencia: Rabel de manubrio y Vigüela, en Asturias: Gaita de Rabil y Zanfonía, en el País Vasco: Zarrabete, en Cataluña y Comunidad Valenciana: Viola de roda), es un instrumento musical perteneciente a la familia de los cordófonos frotados, muy extendido en la música popular europea con numerosas variantes en distintas regiones y épocas.
No confundir con la zampoña, que es un instrumento de viento.
La zanfona se asemeja a un violín mecánico en el que varias cuerdas vibran por la fricción de una rueda enresinada (situada en la caja de resonancia del instrumento) que gira gracias a un manubrio.
Las notas cambian al presionar las teclas de un teclado dotado de unas espadillas que acortan la cuerda melódica. La zanfona común tiene dos o tres cuerdas melódicas o cantantes, de las que se obtienen varias notas (alrededor de dos octavas de un piano), y dos o tres bordones a los lados, que emiten una sola nota (generalmente más grave). Esta nota sostenida independiente de la melodía es la que le ha valido el sobrenombre de gaita zamorana o de pobre, debido a la nota sostenida o bordón de la gaita, y debido a esta particularidad es intercambiable por la gaita en muchos estilos de música popular, especialmente en Francia y Hungría. Las zanfonas actuales pueden llegar a tener 23 cuerdas, agrupadas en cuatro categorías: melódicas, bordones, rítmicas (o trompetas) y simpáticas (que vibran sin necesidad de tañerlas porque entran en resonancia).
La zanfona apareció en Europa Occidental hacia el siglo IX. Su origen podría estar en España o tal vez en Oriente Próximo. En sus formas más antiguas se usaba en la música religiosamedieval, requería dos intérpretes y recibía el nombre de organistrum (‘organito’) y más tarde vielle à roue (‘viola a rueda’) y symphonia.
La primera referencia escrita la da el abad Odo de Cluny en su obra Quomodo organistrum construatur (como construir un organistrum) si bien su veracidad es dudosa dado que sólo se conoce a través de citas muy posteriores. También se menciona un instrumento parecido en un compendio musical del árabe Al Zirikli.
A mediados del siglo XVIII apareció en Francia la zanfona-órgano conocida como vielle organisée, que desapareció en poco tiempo pese a que compositores como Haydn escribieran específicamente para ella.
A partir de la década de 1970 renació el interés por el instrumento especialmente tras su adaptación electroacústica y las innovaciones técnicas de las que es exponente Valentin Clastrier.
En el Kunsthistorisches Museum de Viena, se encuentra una escultura de pórtico como adorno. Dentro del Museo, Existen 3 ejemplares, 2 en exposicion, 1 en taller de mejoramiento.
El Hecho de que este Fenómemo esté tocando en la calle, no indica que no sepa o haya estudiado Percusión a la manera usual, es decir, en conservatorio, pero si indica, que ha conseguido SU MÚSICA, su artista interior está en plena forma y hace gala de un gran sentido del humor y SENTIDO PRÁCTICO, al insinuar con su ritmo... que el público pase por caja, y bien simpaticamente que lo consigue.
Esto también es un arte, Competencias Básicas?????????????
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